Tecnicolor | Musique etcetera

Jazz Age / Jazz Art

2009-03-25T19:56:00.006+01:00

Anthropologique et artistique, la célébration du siècle du Jazz au Quai Branly propose une large retrospective du phénomène de metissage artistique le plus étonnant de l'histoire, de Fred Astaire à Anri Sala, en passant par Jean Cocteau, Andy Warhol et Norman McLaren. Malgré son jeune age, le musée de la contemplation des "bons sauvages" et des arts "primitifs", a déjà accompli quelques chefs-d'œuvres d'ethnocentrisme et de stupidité. Alors quand le musée-à-Chichi réussit son coup, il faut le souligner, le crier, le célébrer ! Pour une fois que l'institution réussit le métissage... Sous la direction de Daniel Soutif, le quai Branly entreprend de retracer Le siècle du jazz.
Pour ceux qui ne seraient pas au courant le jazz n'est pas simplement une musique pour vieux cons ou films pornos ringards, ni un courant musical majeur du XXe siècle. Non, le Jazz est un art. Parce qu'il se lit et se vit au travers de toutes les formes artistiques. L'ambition de l'exposition est bien là, celle de nous faire vivre les "jazzs" ; tant le long des différents courants musicaux qu'au travers de photos, tableaux, pochettes de disques et surtout de films. Il a en effet inspiré des artistes comme Dubuffet, Basquiat, Keith Harring ou Pollock. Et oui, petits veinards que nous sommes, nous pouvons déguster le gratin artistique sur un air de jazz, puisque le parcours abondent de petits points musicaux.

Mais le jazz est aussi le reflet de son époque. L'exposition n'oublie pas qu'au début du XXe, c’est une « musique nègre » jusque dans son esthétique. Ainsi, la Warner précise que le cartoon Clean Pastures de Fritz Freleng, ne fait plus parti de son catalogue « à cause des préjugés raciaux » qu'il véhicule. Le cinéma est d'ailleurs très présent dans les dix sections chronologiques qui organisent l'exposition. On pourra découvrir ou redécouvrir des films comme Le pompier de Folies Bergères avec Joséphine Baker ou encore l'excellent Swing Time, où Fred Astaire fait un numéro de claquettes époustouflant.
Tout juste le temps de baver devant les pochettes mythiques de 33 tours, de compléter ma filmographie jazz au travers des nombreuses affiches, qu'il me faut quitter l'exposition, en prenant soin d'éviter un train électrique, que l'aaartiste contemporain David Hammons a cru bon d'installer pour singer les origines du jazz.

Dry Earth and Floods

2009-03-13T10:14:00.006+01:00

Polly Jean Harvey. Il faut voir tout le plaisir qu’il y a à écrire et prononcer ce nom, Polly Jean Harvey, merveilleuses sonorités où chaque lettre est à sa place, Polly Jean Harvey, les herbes folles de Polly, la douceur de Jean, la rudesse d’Harvey, Polly Jean Harvey. Polly Jean, donc, se promène dans un champ, on l’imagine aisément, écrasant l’herbe de ses pieds enragés, une guitare à la main, chantant déjà de toutes ses forces, le bruit et la fureur comme dirait l’autre. A la première seconde du premier single, au tout début du commencement de "Dress"brûle déjà cette frénésie, et cette promesse que les morsures se transformeront en baisers, à moins que ce ne soit l’inverse, on ne sait plus bien. Dry (1992) se consume en permanence, furieux d’un bout à l’autre, il ne pousse ses soupirs que pour reprendre son souffle et repartir plus sèchement.

Depuis 1992, d’un disque à l’autre, Rid of me (1993), Is this desire ? (1998), ce qui semble tenir le tout, c’est avant tout ce sentiment de puissance permanente, cette manière d’exprimer les choses carrément en se disant que, finalement, la vraie faiblesse serait plutôt de les cacher. Cette impression est toute entière contenue dans To bring you my love (1995) l’album, bien sûr, mais le morceau, surtout - ce bloc de rage lancinante, d’abord mal contenue, et qui explose finalement en offrant cette certitude : lorsque PJ apporte son amour, mieux vaut l’accepter sans broncher, en regardant ses pieds. Certains râlent lorsque sort Stories from the city, Stories from the sea (2000), on dit les morceaux plus lourds, plus lisses aussi, mais non, en fait, c’est toujours pareil mais juste autrement, PJ est à New-York, Polly des champs et Jean des villes, d’ailleurs c’est le soir, et sac au bras, lunettes de soleil devant des enseignes lumineuses, PJ s’en va, PJ s’en fout.
Et puis il y a White Chalk, en 2007. Disque pastoral, disque de songes, disque de nuit ou disque d’aube, disque blanc et disque noir. Tout s’embrouille à nouveau, on ne sait plus bien où on est, et à l’heure où l’on s’apprête à la retrouver (A woman a man walked by avec John Parish dans quelques jours), on se dit que définitivement, sa musique n’est plus seulement un cri venu de la campagne anglaise : elle est devenue un labyrinthe miniature, on saute d’un album à l’autre, on se cogne à un piano et on repart vers la guitare, on se perd, on se retrouve ; Polly Jean toujours la même car toujours différente.

Little Garçon

2009-03-05T21:53:00.004+01:00

Un genou posé à terre, il se relève, prêt à tuer d’une balle dans le dos une silhouette de papier qui s’éloigne au premier plan. Soigneusement découpé et posé comme un petit soldat de plomb sur un bouquin jaunie par le temps, un cowboy annonce la(les) couleur(s) de la première galette des Born Ruffians : rouge, jaune et bleu. Red, Yellow and Blue. Depuis quelques temps Warp s’est mis en tête de signer des groupes avec de vrais instruments à l’instar de Battles, Maximo Park et Grizzly Bear. C’est encore le cas de Born Ruffians qui ont pondu l’année dernière une merveille de folk étrange et de belles harmonies vocales qui sortent des trippes, un peu comme si les Beach Boys rencontraient Akron/Family. Ce n’est pas une question de style, mais ces garçons ont le chic pour s’entourer des bonnes personnes. Leila Hebden (la sœur du génial Four Tet) au management, Rusty Santos (qui enregistra jadis le fabuleux Sung Tungs d’Animal Collective), et un jeune photographe extrêmement talentueux pour illustrer leurs pochettes : Thomas Allen.

Les photographies de Thomas Allen (à ne pas confondre avec son illustre homonyme), je les trouve partout en ce moment : sur les couvertures des romans de James Ellroy, sur les affiches de La Villette, dans les magazines et dans un livre-objet paru en 2007 reprenant ses premiers clichés. On les reconnaît tout de suite par leur propos qui semble être toujours le même, sa marque de fabrique, des petits personnages découpés avec amour et photographiés avec humour en mode macro au milieu d’objets quotidiens, le plus souvent des livres. Sa matière première lui vient des couvertures de romans de gare, alors en vogue dans les années 50, rachetés aux puces où traqués sur ebay. Allen leur donne une nouvelle vie.
Sur fond noir, à l’aide d’un éclairage réglé au millimètre, il transforme ces figurants de papiers en acteur de leur propre rôle ; il leur offre une âme en les faisant jouer en trois dimensions, parfois même devant le livre dont ils s’échappent. Avec un esprit ludique et émerveillement toujours renouvelé, Thomas Allen reste à n’en pas douter un petit garçon. "Well I get told to never old/ but the way it unfolds…/ I’m a little garçon in my head/ with a little fille that’s stuck in bed"

Dark was the night, Cold was the ground

2009-02-26T00:01:00.000+01:00

"Dark Was The Night" faisait parti des enregistrements et objets embarqués à bord du vaisseau spatial Voyager, lancé dans l'espace par la NASA en 1977. Cette image qui ouvre le film The Soul of a Man est devenue pour Wim Wenders le lien transcendental entre le sacré et le profane ; et pour les frères Dessner, les fondateurs du groupe the National, le point de départ d’une compilation incroyablement belle au profit de AIDS.
Ce titre légendaire est l’œuvre de Blind Willie Johnston, devenu aveugle à sept ans après que sa mère lui ai jeté du vitriol au visage. On raconte que dès l'âge de cinq ans, le petit Willie manifesta sa volonté de devenir prêcheur et son père lui fabriqua une guitare avec une boîte de cigares. Il y a sans doute là les racines d’un style qui fera de lui bien des années après sa mort, un des héros du blues. Souvent religieux et de type spirituals, ses morceaux et tout particulièrement ces quelques minutes instrumentales jouées sur un manche de guitare avec un slide, possèdent une force motrice inspire aujourd’hui rien de moins que les meilleurs artistes de la scène indépendante.

Des titres inédits, quelques reprises que l'on doit à Andrew Bird, Antony (sans ses Johnsons) + Bryce Dessner, Arcade Fire, Beach House (la nièce de Michel Legrand), Beirut, Blonde Redhead + Devastations, Bon Iver, Bon Iver & Aaron Dessner, The Books featuring Jose Gonzalez, Buck 65 remix (featuring Sufjan Stevens and Serengeti), Cat Power and Dirty Delta Blues, The Decemberists, Dirty Projectors + David Byrne (des Talking Heads), Kevin Drew (de Broken Social Scene), Feist + Ben Gibbard (de Death Cab For Cutie et de Postal Service), Grizzly Bear, Grizzly Bear + Feist, Iron & Wine, Sharon Jones & The Dap-Kings, Stuart Murdoch (de Belle & Sebastian), My Brightest Diamond, My Morning Jacket, The National, The New Pornographers, Conor Oberst (de Bright Eyes) & Gillian Welch, Riceboy Sleeps (deux echappés de Sigur Ros), Dave Sitek (de TV On The Radio), Spoon, Sufjan Stevens, Yeasayer, Yo La Tengo… Et la cerise sur le gateau c’est le Kronos Quartet (!) reprenant le fameux titre de Blind Willie Johnston.
Trop beau pour être vrai ? Pas question. C’est que dans leur genre les frères Dassner ont plus de flair et surtout beaucoup plus de goût que nos Enfoirés de service qui remettent chaque année le couvert. Et puis pas mal de ces artistes avaient déjà participé il y a trois ans à un petit projet déjà très ambitieux. Je vous le dis c’est la crise, profitez-en pour vous faire plaisir surtout quand c’est pour la bonne cause. Au choix : trois vinyles, deux cds ou un simple téléchargement.

BLIND WILLIE JOHNSTON Dark was the night, cold was the ground mp3

Legrand Retour

2009-02-20T17:13:00.011+01:00

Point de départ d’un immense hommage consacré à Michel Legrand, la Cinémathèque française invitait l’autre jour Michel Legrand pour un concert privé entre amis. Rien que ça. J’ai pendant des jours échafaudés différents plans pour obtenir le précieux sésame sans succès, jusqu’à ce qu'un pote aux Films du Losange me demande de l’y accompagner.
Michel Legrand, back in Paris ! Virtuose du jazz, pianiste classique et compositeur accompli, Legrand est mon chouchou. C’est lui l’auteur des films enchantés de Jacques Demy et de la nouvelle vague, de l’Affaire Thomas Crown (la version de 1969 attention) et d’un catalogue de 200 musiques de films au total. Il a travaillé avec Miles Davis, Sinatra, Fitzgerald, Coltrane… Pas la peine de faire ici la liste de son œuvre en 50 ans de carrière ; elle est longue, impressionnante et d’une immense richesse. D’ailleurs il le sait très bien et cache très mal sa fausse modestie.

C’est une petite révolution qui a lieu ce soir à la Cinémathèque Française. Organiser un concert de jazz dans la salle de projection mythique Henri Langlois, relève de l’exception. En formation duo avec sa sœur Christiane Legrand ou en trio jazz, Michel est venu pour se faire plaisir. Il lâche un « Ouais ! » à la fin de chaque morceaux comme un petit garçon, absolument ravi de ce qu’il fait. Tous ses standards y passent, des "Conseils de la fée des lilas" des Peau d'Ane aux "Windmills of your mind" (ci dessous) qui lui valurent un oscar ; et des interprétations originales comme le thème d’Un été 42 accompagné à la harpe, ou le duo amoureux de La piscine entre le fils et la sœur de Michel. J'aperçois très bien d'où je suis les épais sourcils gris bouger derrière le piano, et un sourire qui se devine derrière son pupitre ; oui Michel est heureux.
Pas franchement habitué à ce genre de spectacle, je prends une énorme claque. D’abord par la beauté des compositions (le style de Legrand, s’il faut lui en trouver un, se revèle dans la mesure et les silences qui habitent ses mélodies) et par le rythme du jazz qui maudit les grands fauteuils moelleux dans lesquels nous sommes tous installés. Le grand final, joué comme un exercice d’improvisations sur l’air des Parapluies de Cherbourg résume en 10 minutes l’étendue de son talent : le même thème en version jazz, bossa nova, high society, Miles Davis, Chopin, samba, tango pour exploser sur une balalaïka russe. Je suis debout, heureux et amoureux.

La musique selon philippe

2009-02-10T19:15:00.006+01:00

Quel est le point commun entre New Order, Polaroid et les JO d’Albertville? Le rythme qui habite leur mise en scène, celui de Philippe Decouflé. Son imagerie fantasmagorique et son univers de rêve, il en a fait la marque de fabrique de ses chorégraphies modernes.
En voilà un qui connaît la musique. Je l’ai découvert sur pièce quand ma copine m’a emmené voir Sombreros à Chaillot. Et là, chapeau. Non seulement j’ai pris une sacrée leçon de danse moderne, mais j’ai été étonné, captivé, époustouflé par l’aisance avec laquelle le chorégraphe jongle avec les outils visuels mis à sa disposition. A mi-chemin entre le théâtre, la danse et l’art numérique, le spectacle est pluridisciplinaire, foutraque et sensoriel.

Mais il y a quelque chose qui est tellement présent qu’on ne remarque plus, c’est la musique. Composée tout spécialement par Brian Eno et rejouée sur scène par le génial Sebastien Libot accompagné de dizaines d’instruments : claviers, sampler, guitares et pédales ; saxophone, platines vinyle et maracas… un vrai bric-à-brac. Mais Decouflé ne se prend pas au sérieux. C’est un agitateur de curiosité, capable aussi bien de citer Béla Bartok, Claude Debussy et Ennio Morricone, que le générique de Deux flics à Miami.
A la Maison de la Danse de Lyon où il joue Solo, la piste se confirme. Seul sur scène (!), c’est cette fois sur une musique de Joachim Latarjet qu’il se raconte. Une musique qui vient de loin, inconnue et familière, pour revenir sur les projets et les artistes qui l’ont marqué. Il reprend même une partie de son fameux court-métrage "Le p’tit bal" chorégraphié sur une chanson de Bourvil, avec lequel il rafla en 1994 une flopée de prix dans plusieurs festivals. Et c’était bien.

Lucky Dragons 2.0

2009-02-07T19:38:00.007+01:00

“Make a baby” est le terme générique d’une série d’expérimentations visant à utiliser le contact de la peau comme moyen de faire de la musique électronique, en transmettant et contrôlant les données pour créer un environnement social positif. Les membres du public sont invités à participer, à construire et supprimer les ondes négatives en passant les signaux d’une peau à une autre. Le concept est prodigieux et c’est le dernier-né des projets de Lucky Dragons.
Dimanche soir, j’appelle un pote pour le prévenir. Je lui dis que Lucky Dragons ils sont formidables, qu’ils font le tour du monde avec leurs projets mêlant musique et arts plastiques, que leur création est participative, que j’étais allé les voir à Beaubourg en 2006 et qu’ils sont passés l’année dernière au Palais de Tokyo. Que j’ai même acheté un disque. Je lui dis qu’il y a chez eux ce truc qu’avait Animal Collective à leurs débuts, que ce sera avec une quarantaine de personnes dans un appartement du 11ème arrondissement et que je viens d’avoir par miracle les deux dernières places d’un concert archi complet !

Alors on y va. Il y un petit message d’excuse pour les voisins dans l’ascenseur. Le petit studio est plein à craquer ; il doit y avoir là les mêmes personnes qui traînent dans tous les concerts indie de la capitale, ceux qui vont voir Liars, Lightning Bolt et Daniel Johnston. Dans la cuisine, la bière à un euro coule à flot et la maîtresse de maison a même préparé des gâteaux. Tout concorde à fédérer l’esprit communautaire et bricolo-hippie du groupe de Los Angeles.
Les deux membres de Lucky Dragons se sont accroupis sur le grand tapis du salon. Nous sommes recueillis autour d’eux comme des enfants à qui l’on va raconter une histoire ; une histoire composée de chamanes et de boucles organiques. Je scrute devant moi les câbles recouverts de laine colorée, le piano à pouce et les maracas reliés à une console de mixage. Bientôt c’est à notre tour d’intervenir sur ces instruments bizarres, d’ouvrir bien grands les yeux et de jouer avec l’énergie des pierres, de créer un réseau communautaire avec les pores de la peau, de composer avec une poignée de main différentes couleurs musicales. Un maillon vient s’ajouter dans la chaine humaine et c’est l’écran au plafond qui s’illumine, qui se décompose en une foultitude de pixels hystériques. On sort de là sans savoir vraiment ce à quoi à assisté : est-ce une révolution digitale ? Une performance artistique ? Une expérience mystique ? A vrai on n’en sait rien mais une chose est sûre, on est devenu croyant.

From the Basement

2009-02-03T17:51:00.003+01:00

Quand les Concerts à emporter misent sur l’excitation de l’imprévu, From the basement se donne un mal fou pour reproduire avec précision les séances de studio. Ces live enregistrés en sous-sol sont d’une beauté rare, offrant au musicien de jouer dans leur plus bel appareil.
Un lourd rideau de velours, une moquette rouge vif et quelques vieux tapis au sol, des câbles electriques qui traînent au second-plan : la mise en scène particulièrement soignée du programme From The Basement fourmille de détails qui le transforme en vrai-faux studio de répétition. La crème des groupes issues de la scène rock y est invitée faire ce qu’ils savent faire de mieux : jouer. Pour leur plaisir, selon leur envie, sans les contraintes des magazines télés, ni les questions embarrassantes de mauvais journalistes.

Tout le monde y passe, à commencer par les amis de Nigel Godrich qui produit l’émission : Beck, the Divine Comedy et Radiohead évidemment. Je me mets à imaginer les coulisses, du petit monde qui s’activent derrière les caméras, du réalisateur au régisseur en passant par les cadreurs, le chef opérateur, l’assistant opérateur, le chef électro, chef machino, le perchman. La technique est lourde pour un résultat final mené le plus souvent avec brio.
Il faut voir l’attention portée à l’image, à la lumière, aux couleurs et la photo ! Les plans s’attardent là sur le visage en transe de Thom Yorke, ici sur Damien Rice agenouillé en prière ou la carcasse bien vivante de Jarvis Cocker. Certains livrent des prestations particulièrement habitées, comme la superbe version de « lady of a certain age » de Neil Hannon, les déflagrations sonores de Sonic Youth. Il y a en fait beaucoup à voir dans ce petit DVD qui devrait faire des petits puisque de nouvelles sessions sont régulièrement diffusées sur le site.

Un Deux Trois Dis: Miroir Noir!

2009-01-26T01:51:00.006+01:00

Dans la plus grande discrétion est apparu sur le web depuis quelques jours le premier film consacré à Arcade Fire. Un film étrange, où la virtuosité des images de Vincent Moon côtoie la réalisation étroite de Vincent Morisset, leur webmasteur officiel. Heureusement, bien loin de décevoir, Miroir Noir, Neon Bible archives est un documentaire indispensable pour chaque fan qui se respecte.
« Nous nous sommes entassés dans l’ascenceur, j’étais accroupi aux pieds de Richard. Ils ont joué Neon Bible, puis la porte s’est ouverte et nous avons affronté le torrent, nous avons pénétré la foule [de l’Olympia]. Je ne pensais plus à rien, j’étais pris dans la ferveur, à peine surveillais-je Vincent Moon. Je hurlais en silence, et je ne cessais de me répéter la même phrase: "On l’a fait Putain, on l’a fait!" » Le témoignage de Chryde sur le tournage du Concert à emporter d’Arcade Fire fiche des frissons dans le dos. C’était le 19 mars 2007. A cette époque, je me connectais religieusement à la Blogothèque en rêvant d’être à sa place, au plus près des groupes qui chaque lundi se livrent dans le plus grand dépouillement.

C’est sur ces images que démarre Miroir Noir, déjà disponible en téléchargement et en DVD au mois de mars. Un exercice de haute voltige où le plan-séquence suit la musique et son environnement, joue avec l’énergie de l’imprévu et une poésie brutale. D'ailleurs Vincent Moon, à qui l'on doit des documents sur Beirut, REM, the National en plus des Concerts à emporter, possède comme son alter ego Mathieu Saura l’œil du photographe. Il saisit avec une aisance déconcertante ce que d’autres cherchent désespérément à capter : la lumière, en mouvement, d’où qu’elle vienne, qui ne cesse de vaciller et d’éblouir ; et le bruit qui l’habite, son grain et ses contrastes. A force d’étalonnage, les noirs et les blancs luttent dans des images qu’on imagine tirées de vieilles archives.
Et des archives il en est question. Pendant plusieurs semaines, il a suivi Arcade Fire en studio, montrant le couple Win Butler / Regine Chassagne concrétiser leur magistrale deuxième album, puis en tournée livrant Neon Bible à un public de croyants, voir d’intégristes plus souvent. Malheureusement le montage de Vincent Morisset, bien loin de la poésie de Moon, offre une lecture simpliste de documents mis bouts à bouts autour de messages vocaux laissés par les fans, qui eux y trouveront de toute façon leur compte : des images volées à Québec de leur chapelle transformée en studio, un crochet à Budapest pour l’enregistrement des cordes, une session acoustique dans un grand hôtel, et des séquences live à couper le souffle lors de leur tournée française. Extraits.

Concert illustré

2009-01-21T17:18:00.001+01:00

Non content d’être le plus important festival de BD en Europe, Angoulême est aussi un immense défricheur de talents qui propose depuis quelques années un concept original : les concerts illustrés. Une avant-première avait lieu la semaine dernière à Paris, un évènement à ne rater sous aucun prétexte puisqu’il mettait en scène mon chouchou, Christophe Blain, en compagnie de Arthur H.
A ma droite, Christophe Blain. Découvert dans les Donjons Potron-Minet, adoré dans Isaac le Pirate et même encore un peu plus dans les trois tomes de Gus, Blain est devenu sans aucun doute le meilleur dessinateur de sa génération. Blain aime les histoires de cowboys pas comme les autres, les attaques de diligences, les saloons et les femmes. Son style est vif, riche et couleurs fauves.
A ma gauche, Arthur H. « Le H d’Higelin en héritage paternel, de solides racines musicales, un voix rocailleuse taillée pour ses humeurs parfois sombres… » Dans le jeu des 7 familles de la chanson française illustré par Dupuy & Berberian, Arthur H est le petit fils de Gainsbourg, le neveu d’Alain Bashung et le cousin de Thomas Fersen. Il aime la poésie décalée et les chansons qui racontent des histoires. Son style conjugue le blues, le jazz et le goût du merveilleux.

Chacun affairé sur son instrument, d’un bout à l’autre de la scène, le spectacle se situe plutôt sur le mur du fond, où la main de Christophe Blain dessine en direct autant de tableaux que de chansons jouées au piano où à la guitare solo. Un portrait du chanteur en costume du XIXeme, un cosmonaute évoluant sur un corps nu, une robe rouge évoquant Marilyn, un cowboy avec les colts dehors… La rencontre des deux univers semble évidente mais ce qui fascine véritablement, c’est de voir le dessinateur à l’œuvre, les pinceaux utilisés, la fluidité du trait, la lumière, les couleurs, l’acuité du regard, la mélodie des mots, les détails ; l’occasion est bien trop rare, et la complicité entre les deux auteurs véritable. J'en ai d'ailleurs profité pour prendre quelques clichés.
Heureusement deux autres rencontres de ce type auront lieu à Angoulême: Arno illustré par Nix et Johan de Moor, Rodolphe Burger illustré par Dupuy & Berberian. Détail et programmation sur le site du festival.

Manha de Carnaval

2009-01-06T00:30:00.004+01:00

C’est une ténébreuse légende de mythologie grecque plongée en plein carnaval de Rio. C’est l’age d’or du cinéma brésilien et l’acte de naissance de la bossa-nova. Ce film est un immense cliché, mais c’est surtout un petit chef d’œuvre.
L’histoire d’Orphée et Eurydice, tout le monde la connaît où en garde un vague souvenir. Elle a inspiré bon nombre d’artistes depuis l’Antiquité dans à peu près tous les domaines : de la peinture (Chagall) à la musique contemporaine (Philip Glass) en passant par le théâtre (Cocteau), la musique classique (Hofenbach) ou la littérature (Tennessee Williams). Mais la palme d’or revient à Marcel Camus qui en 1959 la transpose dans le Brésil moderne. Dans un décor de rêve, perché dans les favelas au sommet de la colline Orphée fait lever le soleil avec sa guitare. La vue sur Copacabana et le Pain de Sucre y est imprenable, les gens dansent, les couleurs explosent, bref c’est dans un Brésil de carte postale que l’histoire démarre. Orphée est un conducteur de tramway joué par un footballeur brésilien, et Eurydice est une jeune fille de la campagne à la beauté solaire.

Orfeu Negro, je ne l’ai découvert que tout récemment et pourtant j’ai l’impression de le connaître depuis longtemps. On revient aux origines de la bossa-nova, on embrasse les mélodies de la rue et les bruits du carnaval. Plus encore que le film c’est l'utilisation de morceaux de samba composés par Luiz Bonfa et Antonio Carlos Jobim qui créent un souffle de vie et de désir, une transe sensuelle de corps qui annonce le sentiment pourtant palpable de la mort. Sa musique a fait le tour du monde, a fait exploser la bossa nova aux Etats-Unis et en Europe ; elle est aujourd'hui devenue immortelle.
Dans un superbe coffret édité par Potemkine (un label indépendant consacré au cinéma sous sa forme DVD) on peut même y découvrir un trésor inestimable, les premières versions de la bande originale finalement écartées par Camus comme "Manha de carnaval" interpretée par Joao Gilberto, dont la voix fut jugée trop blanche, ou le thème final que lui avait proposé Jobim, "Levanta poeira" pour lequel il préférera Bonfa.

Red, White & Blues

2008-11-23T16:11:00.005+01:00

Alors qu’on nous rabat les oreilles chaque semaine avec la nouvelle sensation folk venue d’outre-atlantique – ça en deviendrait presque agaçant - un objet sonore non identifié est arrivé sur ma platine. Les héros du blues, les grands du jazz, et les pionniers de la country, tous illustrés par Robert Crumb. Il était temps de leur rendre hommage. Tout ceux qui connaissent l’œuvre de Robert Crumb connaissent aussi sa passion pour la musique. Le chef de fil du mouvement américain des underground comix, est le créateur de la pochette de l’album Cheap Thrills de Big Borother & the Holding Co. (avec Janis Joplin), de Fritz the Cat, et de Mr Nostalgia notamment, qui narrait à la première personne la collectionnite aigüe d’un fan de blues rural des années 30 et un dévouement acharné autour d’un des bluesmen les plus influents du Mississippi, Charley Patton. C’est que Robert Crumb est un personnage attachant, un vieux monsieur en quête d’authenticité, aussi bien dans ces histoires dessinées qui ont révolutionné le genre dans les années 70 que dans sa quête de trésors cachés sur les sillions de quelques vieux 78 tours poussiéreux.

Dans la très belle introduction du réalisateur Terry Zwigoff, on apprend comment Crumb et lui ont fini par mettre la main sur ces standards oubliés de la musique américaine, et comment ces portraits, initialement sous forme de cartes à jouer, ont peu être édités sous forme d’un livre-objet contenant un CD formidable : une sélection musicale de bluegrass, de contry et de jazz datant tous du début du siècle, compilée pour notre propre éveil musical. La simple évocation de ces artistes possède déjà quelque chose de magique. Ce sont le Memphis Jug Band, Jaybird Coleman, Charley Patton, Crockett’s Kentucky Mountaineers, Shelor Family, Frankie Franko & His Louisianians ; bref un concentré de folk américain à faire palir Alela Diane, Devendra Banhart ou les Fleet Foxes.
Inutile d’en rajouter, c’est avec un plaisir non dissimulé que je vous laisse en compagnie des Cannon’s Jug Stompers, illustrés ci-dessus, disponibles ci-dessous et installés quelque part au fin fond du Tennessee. That’s all folks !

CANNON'S JUG STOMPERS minglewood blues (MP3)

Desperate Youth, Blood Thirsty Babes

2008-11-17T17:23:00.003+01:00

J’ai découvert Brian Alesi au travers de la pochette qu’il a réalisé pour TV On The Radio. Crédité en tout petit au verso de Desperate Youth, Blood Thirsty Babes (Touch & Go, 2004), le photographe a accepté de répondre à quelques questions au lendemain de l’élection américaine. Un courrier dans lequel il est question de son travail, de ses influences et de la genèse d’une pochette absolument culte. Je me souviens avoir découvert TV On The Radio un peu par hasard, d’abord à cause de son nom génial et énigmatique, puis d’être resté solidement à l’écoute de cette excitant mélange qui pour la première fois brassait avec un naturel déconcertant blues, post-rock, saoul et new-wave. Derrière la décharge électrique de la pochette de leur premier album, les new yorkais dévoilaient en 2004 une écriture héritée des poètes de la beat generation, une basse vrombissante et des tum-tum-tum à cappela qui résonnent encore dans ma tête. Et par-dessus tout, la chaleur brûlante de Tunde Adebimpe brouillant un peu plus les pistes.
Il y a quelques jours, j’ai fini par retrouver la photo utilisée pour illustrer cette révolution musicale. Intitulé "Drive" elle est présentée dans le portfolio de Brian Alesi, au milieu d’une série de clichés flous où il est d’avantage question d’impression esthétique que de sujets concrets.

Brian Alesi est un vieil ami de David Sitek, rencontré à Austin (dont ils sont tous deux originaires). Sitek lui fait écouter les premières maquettes de ce qui deviendra Desperate Youth, Blood Thirsty Babes et ensemble ils choisissent ce qui servira d’introduction à la musique de TV On The Radio. Il m’explique que cette photo a été prise lors d’une de ses premières expérimentations en bougeant et secouant son nouvel appareil, où le feu arrière des voitures provoque une sorte de tension électrique, un éclair foudroyant.
« Je prends des photos pour le frisson que j’ai à capturer une image vraiment fantastique. J’adore aller chasser avec mon appareil. Le photographe est un chasseur, l’appareil est son arme et vous êtes en expédition. C’est une sorte de chasse où je peux rester derrière. » Sa vocation, Brian la doit autant à des références comme Richard Avedon et Nan Golden qu’à la simplicité d’Uta Barth, le style de Anton Corbijn et des Starn Twins, ou les peintures de Gerhard Richter. Sa femme Stella y est aussi pour quelque chose, c'est elle qui lui a appri la photographie ; aujourd'hui ils s'influencent mutuellement.
Quatre ans et trois albums plus tard, TV On The Radio continue de subjuger et de posséder les esprits. Ils seront le 1er décembre au Bataclan.

Wes, Noah and the Whale

2008-11-07T15:16:00.005+01:00

Noah and the Whale est peut-être le plus grand groupe de pop naïve après Belle et Sabastian, mais certainement le préféré de Wes Anderson. Ils seront le 20 novembre à La maroquinerie avec les excellents Born Ruffians dans le cadre des Inrocks Indie Club. Ceux qui savent ont déjà leur place. Je m’en souviens comme si c’était hier. C’était au mois de mars à l’Upper East, un studio photo ahurissant du 20ème arrondissement. D’abord au pied de l’immeuble, les quatre anglais nous ont surpris pendant l’enregistrement d’un Concerts à emporter ; puis j’allais, au même endroit mais plusieurs heures plus tard, les remercier chaleureusement pour le concert qu’ils venaient d’offrir là-haut dans le studio. J’étais ivre, j’avais un large sourire entre les lèvres.

Derrière ce nom absurde qui fait moins référence à l’histoire Biblique qu’à Noah Baumbach, Noah and the Whale recèle une foultitude de mélodies pop soignées, faites de folk à quatre cordes et d’anecdotes remasterisées. Comme dans un film de Wes Anderson, leur album joue avec le charme désuet des seventies et une galeries de personnages plus barjots les uns que les autres. En témoignent les panneaux à chapitres et la vision du monde en 2D de leurs clips. Ils signent leurs communiqués par Sic transit gloria mundi en référence à Rushmore, réinventent le sous marin de Steve Zissou dans La Vie Aquatique et reprennent les tons jaune et bleu du Darjeeling Limited. Heureusement bien loin d’être une simple tocade, les clins d’œil répétés de Noah and the Whale ont réussi à faire de leur musique la bande originale idéale du prochain Anderson. Alors comme on a 3 places à faire gagner sur Tecnicolor, dites-moi comment s’appele le film que Wes Anderson et Noah Baumbach ont co-écrit en 2004. Envoyez votre réponse à manu arobase tecnicolor point net avec vos noms et adresse, en objet "Sic transit gloria mundi". Les gagnants seront prévenus par mail le 15 novembre.

Blue Monday

2008-11-06T18:23:00.003+01:00

Blue Monday sort en mars 1983 sur Factory Records. Imitant une disquette souple informatique de 4 pouces, le disque est aujourd’hui une référence du design : une pochette en adéquation parfaite avec son contenu, exposée dans les musées. C’est ce qui arrive quand la musique et son support expriment une seule et même volonté artistique. Mais Reprenons. Bâti sur les cendres de Joy Division, New Order transforme la musique de chambre froide en hymnes artificiels. En forme d’adieu/hommage à Ian Curtis, "Ceremony" ouvrira la voie à une nouvelle formule entièrement basée sur des boucles de bandes et de batteries.
L’homme aux manettes de la Factory, Tony Wilson, choisit de confier la réalisation artistique de la pochette à Peter Saville, un designer génial fan d’art contemporain et de pop art. Mais voilà, entre les retards permanents de Saville et la mauvaise gestion de Wilson, la diffusion du disque est à deux doigts de la catastrophe. A eux deux, ils finissent par créer le single le plus cher de l’histoire, un disque dont chaque vente fait perdre presque une livre au label !

Avec sa pochette avant-gardiste découpée avec soin, le disque coûte en fait plus cher que le prix de vente du disque. Mais Saville s’intéresse moins à la rentabilité d’un projet qu’à sa recherche esthétique, et en particulier à un plasticien du mouvement pop-art, Claes Oldenburg, qui réalise de grandes scupltures d’interrupteurs, de brosse à dent ou de pince à linge. Il découvre en parallèle les disquettes lors des séances d’enregistrement du groupe. C’est à peu près comme ça que lui vient l’idée de produire une grande disquette souple de 12 pouces, en y ajoutant toutes sortes de détails qui en font un réel objet d’art : des trous à l’identique au milieu et sur la tranche de la pochette, et un mystérieux code couleur révélant l’identité du disque. Un procédé génial qu’il reprendra d’ailleurs sur l’album de New Order, Power, Corruption And Lies (1983).
Depuis, Blue Monday est rentré dans les annales comme étant le single le plus vendu de l’histoire. C’est aussi le plus beau, le plus légendaire des singles vinyle que certains collectionnent d'ailleurs : le site bluemondayownersclub.com offre une galerie d’heureux détenteurs posant avec la célèbre pochette. Comme le dit très justement Claes Oldenburg, « Une œuvre n'est pas quelque chose de beau à regarder, sa valeur c'est d'être une école de pensée. L'important est l'image mentale qu'elle imprime. »

Monsieur Gainsbourg Revisited

2008-10-29T14:16:00.005+01:00

Ca se bouscule dans le hall de la Cité de la Musique. Serge Gainsbourg aurait 80 ans aujourd’hui, et son empreinte dans l’histoire de la chanson française valait largement qu’on lui consacre une exposition et quelques manifestations bien choisies, à l’heure où sa popularité prend une dimension internationale. De Londres à New York la pop contemporaine découvre les talents de poète et de mélodiste du French artist, tandis qu’à Tokyo, la Gainsbourgmania s’empare du public. Difficile d’y couper, le premier cycle consacré à l’artiste multifacette aura bien rythmé ma semaine.

Lundi, vernissage de Gainsbourg 2008. L’homme à tête de chou continue à marquer son temps. Ce n’est pas un hasard si on croise à la première des dandys de toutes sortes, comme Philippe Manœuvre et Jean-Michel Jarre. L’exposition met en valeur les différents aspects de son œuvre protéiforme dont la particularité est d’avoir été, comme Bowie aux Etats-Unis, un catalyseur de son époque. Tour à tour peintre, écrivain, auteur, interprète, compositeur, acteur, réalisateur, c’est avec curiosité que je me fraye un chemin entre les pylônes thématiques et la frise chronologique au mur. L’expo présente quelques raretés de la collection de Charlotte Gainsbourg et je scotche littéralement devant les brouillons de "Initials B.B." ou les articles automobiles annotés pour "Melody".
Jeudi, concert exceptionnel de Jean-Claude Vannier. Ca fait bien longtemps que j’ai mon ticket pour « L’Enfant assassin des mouches » et surtout Histoire de Melody Nelson pour la première fois jouée en France avec les arrangements originaux. Longtemps tenue secrète la programmation dévoile finalement plusieurs invités prestigieux venu chanter Gainsbourg à leur façon : Mathieu Amalric, Martina Topley Bird, Brian Molko, Brigitte Fontaine, Clotilde Hesme, Seaming To, Daniel Darc et Alain Chamfort. Une belle brochette de stars qui échappe, malgré tout, à ce qu’on pourrait prendre pour un hommage à la Drucker. L’orchestre des Concerts Lamoureux et le Jeune Chœur de Paris, menés par un Vannier désinvolte, apportent un souffle extraordinaire à un album qu’on connaît par cœur ; des premières notes de basse jusqu’au final magistral de "Cargo culte". Le public, debout, est innarrêtable, l’ovation est sincère.
Samedi, une dizaine de cordes accompagnent le projet que Blonde Redhead a préparé pour l’occasion. On sait à quel point le trio new-yorkais est fan de Gainsbourg et comment il a inspiré leurs excellents premiers albums. Ils ont d’ailleurs enregistré ça et là quelques reprises dont pas une seule n’a été joué sur scène ce soir. Contre toute attente, c’est la quasi-totalité de leur album précédent, « Misery is a butterfly (2004) » qui est présenté du début à la fin, agrémenté de quelques une de leurs dernières productions, complètement anecdotiques. Alors la rencontre en question suscite bien des déceptions ; elle confirme une fois encore ce que je pensais : le meilleur est derrière eux.

Heureusement la saison n'est pas terminée. Depuis, j'ai ressorti mes quelques disques du grand Serge que j'écoute en boucle, et bientôt aura lieu le concert de John Zorn et Tzadik à la salle Playel. En 1997, sur son label Tzadik, dans la série Great Jewish Music, John Zorn avait dédié un album collectif d’hommage à Gainsbourg. Il réunissait une pléiade d'artistes de l'underground new-yorkais, du jazz au rock. Le 25 février, le saxophoniste sera entouré entre autres de Sean Lenon, Elysian Fields, Marc Ribot & Ceramic Dog. La réservation est obligatoire.

Ah! Melody

2008-10-27T15:56:00.013+01:00

Aujourd’hui son titre résonne comme une évidence, Histoire de Melody Nelson (1971) est le plus grand album de Serge Gainsbourg, et sans doute un des meilleurs disques écrits en français. Il est le fruit d’un célèbre travail d’écriture avec Jean-Claude Vannier, et d’une superbe mise en scène cinématographique. "Un petit animal/ Que cette Melody Nelson/ Une adorable garçonne/ Et si délicieuse enfant / Que je n'ai con/ nue qu'un instant". Jouant des vingt ans qui les séparent de Jane Birkin, Gainsbourg multiplie les références à Lolita de Nabokov et à son tuteur "nympholeptique", s’inspire des Décadents du XiXe siècle et nous livre le premier vrai poème symphonique de l’age pop. C’est l’histoire d’amour fatale entre un homme mûr et une jeune fille de quatorze automnes et quinze étés, qui trouve son expression visuelle dans la réalisation cinématographique et climatique de Jean-Christophe Averty. Comme lui, le réalisateur aime défier le conformisme audiovisuel et se passionne pour la peinture moderne – à laquelle il consacrera d’ailleurs ses derniers documentaires.

Entre long clip et film musical, on y voit Serge Gainsbourg et Jane Birkin jouant les scènes de l'album, évoluant soit sur des décors de studio, soit sur des peintures ou d'autres graphismes de style psychédélique, délicieusement kitch. Averty utilise l’incrustation de personnages filmés sur fond bleus avec un décor dessiné ; ce sont les tableaux de Salvador Dali, Max Ernst, René Magritte, Felix Labisse, Paul Delvaux et du Douanier Rousseau. Définissant plus qu’une musique, Serge Gainsbourg apparaît ainsi comme un dandy animé par la mise en scène de soi, la transgression des valeurs établies et le privilège de l’art sur la vie. Ce sont sept petits films mythiques soigneusement glanés à droite et à gauche, ils y sont tous "Melody" (ci dessous), "Ballade de Melody Nelson", "Valse de Melody", "Ah! Melody", "L'hôtel particulier", "En Melody" et "Cargo culte"... Melody Nelson a des cheveux rouges et c'est leur couleur naturelle.

Collectionnite aigüe

2008-10-22T16:41:00.003+02:00

Il semble bien loin le temps où je passais des heures le dimanche soir à écouter au casque Ketchup & Marmelade sur OuiFM, mon enregistreur k7 enclenché sur pause prêt à capturer les charts anglais et américains. J’avais cours le lendemain et je veillais l’oreille scotchée au poste. Internet a encore aggravé, accentué la maladie désormais incontrôlable. La collectionnite aigüe fait des ravages, au-delà du seul cercle des initiés et des disquaires véreux. Aujourd’hui ce n’est plus seulement sur les faces B de singles vinyles introuvables (et que mon disquaire Popeye revend à prix d’or) que se dénichent les pépites qui rendent militant. Avec Internet et l’augmentation de la taille des disques durs, les fouilles reprennent.

Parce que faire des compilations a toujours été une maladie de journaliste rock, les Inrocks sortent Trésors Cachés vol.2, un coffret 6 CD - en vente uniquement à la fnac - qui comme son auguste prédécesseur regroupe une centaine de chansons rares et presques indispensables. Gonzales, Blur, David Byrne et Brian Eno, Eels, Midlake, David Bowie, Air, Grace Jones, Jonathan Richman, Roedelius, Palace Brothers… et même cette magnifique demo de Weezer enregistrée sur un 8-pistes. La liste est longue. Comme on a des coffrets à vous faire gagner sur Tecnicolor, dites moi comment s’appelait l’animatrice de Ketchup & Marmelade. Envoyez votre réponse à manu arobase tecnicolor point net, avec vos noms et adresse. Les gagnants seront prévenus par mail.

Principles of geometry

2008-10-21T00:50:00.012+02:00

Il arrive parfois en concert que la première partie éclipse la suivante. C’était le cas de Principles of Geometry en ouverture de Leila samedi dernier, à l’occasion de la soirée de clôture du festival Factory. Un voyage interstellaire rendu possible par la bande AntiVJ, un label visuel époustouflant. Encensé par James Holden, et largement inspirés par John Carpenter ou Boards of Canada, Principles of Geometry jouent maintenant dans la cour des grands. Armés d’une batterie de machines bourdonnantes et des synthétiseurs vintages, les deux français ont donné sur scène une version hollywoodienne de leur excellent Lazare, paru cette année chez Tigersushi. Lunettes 3D vissées sur le nez avec l’air aussi con que mon voisin de droite, c’est en fait tout le public de la Cigale qui a les yeux rivés sur la projection hypnothisante de AntiVJ, parfaitement synchronisé avec l’image. Les lignes simples et un design minimal répondent du même langage binaire et géométrique que l’electronica rétro des deux français.

AntiVJ c’est un label visuel créé par un groupe d’artiste européens, fascinés par l’utilisation des lumières et de leurs influences sur notre perception de l’espace. Au croisement de la l’installation, de la performance live, du design graphique et de l’architecture, la vidéo- projection est leur principal outil de fabrication. Il y a dans le soin apporté à la projection, la simplicité déconcertante de leur inventions, le "mapping" qui consiste à voyager sur une carte faire de polygones et de segments, bref il y a chez eux une véritable magie. Ils ont même transposé en trois dimensions le couloir de lumière du voyage final de 2001 l'Odyssée de l'Espace. Absorbés par les nappes analogiques j’ai pendant une heure oublié où je me trouvais, dans l’espace peut-être ou au Futuroscope de Poitiers – je n’en sais rien je n’y suis jamais allé.
Alors j’ai contacté le label basé à Bristol et glané sur le net quelques infos. AntiVJ à parcouru l’Europe de centres d’art contemporain en festivals electoniques (Scopitone ou Pukkelpop), de Berlin où ils ont réalisés pour la première fois un "vidéo mapping" hallucinant, jusqu’à leur dernière performance pour la Nuit Blanche 2008 de Bruxelles. Mais celui que j'ai préféré, c'est ce projet monumental "Light up Bristol" qui utilise sur 120m le long de la mairie de Bristol des animations et des trompe-l’œil astucieux.

Initiales B.O.

2008-09-30T13:36:00.007+02:00

Un concert comme celui-ci, on en rêvait. L’auteur compositeur des plus grandes bande-originales de films nous a fait l’honneur de sa présence lors d’un concert à Paris, qui plus est en compagnie d’un orchestre. Un événement unique, dont on attendait beaucoup. Peut-être même trop. Avec un nom comme Lalo Schifrin, on ne peut qu’avoir la classe. Cela fait cinquante ans que le pianiste argentin le prouve : Operation Dragon (à voir ci-dessous), Mission Impossible, Luke la Main Froide, Dirty Harry... des classiques, pourtant composés de manière discrète . On ne compte plus le nombre de fois où l’on entend « Ah ! C’est de lui ? ». Oui c’est de lui. Voilà pourquoi je me dirigeais moite et fébrile vers la Grande Halle de la Villette où Sir Schifrin nous avait donné rendez-vous, moyennant un petit investissement financier.

Du haut de son mètre soixante et de ses 76 ans, on peut dire que Lalo connaît encore son métier. Donnez-lui un piano et vous verrez qu’on lui la fait pas. S’exprimant dans un excellent français à l’accent charmeur, il parvient vite à capter son public, lui expliquant chacun de ses morceaux, ses inspirations, brièvement sa vie. Il dirige, il joue, il est à l’aise, le temps ne compte plus, c’est parti pour trois heures de concert. 23h15, la salle se vide. On reprend un peu ses esprits, et les critiques tombent. Une semi déception. Au lieu de nous jouer ses thèmes de films mythiques, nous avons eu droit à un éventail d’hommages aux grands du milieu, si bien qu’on avait malheureusement l’impression d’assister au concert de quelqu’un d’autre. Le coté jazz-de-papy n’était pas non plus pour plaire aux plus jeunes. Au final, nous n’avons eu droit qu’à un Mission Impossible digne de ce nom, et vu le sourire qu’il nous a adressé en jouant les premiers accords, il attendait ça autant que nous. Ne boudons pas notre plaisir, à défaut d’être inoubliable, ce fut juste une bonne soirée.

Jackson / Koons, rois de la pop

2008-09-25T12:12:00.002+02:00

C’est l’évènement de la rentrée. On nous l’avait promis, impossible de ne pas en entendre parler, Jeff Koons expose dans le palais de Versailles. Moi aussi j’ai profité du vernissage pour aller la voir cette expo et boire du champagne. Il était 22h30, j’étais le dernier visiteur avant la fermeture, et suis tombé nez à nez avec « Mickael Jackson et Bubbles » dans le salon de Venus ! Là devant moi, grandeur nature, le roi de la pop avec son singe favori (1988). Une superbe porcelaine peinte, polychrome et dorée à la feuille d’or. Kitchissime.

D’après sa bio, Jeff Koons s’intéresse dès ses débuts à la publicité et les médias, c’est son truc, il y croit : « Mon art et ma vie personnelle sont basés dessus ». Alors évidemment, entre le mouvement dada et le minimalisme, Koons fait aussi référence au pop-art, et s’inspire de la culture populaire, et de l’industrie du divertissement en particulier pour communiquer avec l’audience la plus large possible.
Justement en 1988, l’album Bad de Michael Jackson vient de sortir établissant un nouveau record - cinq singles sont classés numéro 1. A cette époque le roi de la pop raffle tous les grammy, il tourne partout dans le monde et déchaîne les fans, vends du Pepsi ; bref Michael Jackson est une superstar de la consommation de masse. D’abord ironique (placée au milieu du salon de Venus et d'Appolon) la sculpture crée un sentiment de malaise. La peau est exagérément blanche, et la ressemblance entre lui et son singe est frappante : les mêmes habits et les mêmes lèvres dessinées. Un peu sonné et pressé par les vigiles qui ferment la marche, je continue ma déambulation dans les appartements du roi et fonce au bar reprendre une coupe.

The idiots are winning

2008-06-28T14:58:00.005+02:00

"Nous devons dire un mot sur notre manière d'étudier ce que les aliénistes appelent les "idiots", et que nous appelons ici les inférieurs en intelligence. On ignore la nature exacte de cette infériorité, et très prudemment on refuse aujourd'hui de l'assimiler, sans autre preuve, à un arrêt dans le développement normal. (...) L'étude attentive de ces idiots montre, chez quelques uns du moins, que tandis que certaines facultés sont presque nulles, d'autres sont mieux développées. Ces êtres ont donc des aptitudes. Les uns ont une bonne mémoire auditive et musicale, un filet de voix juste et tout un répertoire de chansons ; d'autres ont des dispositions pour le calcul ou pour la mécanique. Si on les examinait tous avec soin, on trouverait beaucoup d'exemples de ces aptitudes partielles." (Afred Binet, dans L'élaboration du premier test d'intelligence (1904-1905), oeuvres choisies II). Qu'il est bon d'être idiot! Et James Holden, le boss de Border Community l'a bien compris, lui qui savamment intitulait son formidable disque The idiots are winning en 2006.
Concours. Pour vous le prouver, les 5 plus idiots d'entre vous gagneront une place pour We Love Border Community, le 5 juillet à la Chesnaie du Roi au milieu du bois de Vincennes! La question: combien de secondes dure le titre "idiot" de James Holden? Envoyez votre réponse à manu (arobase) chezmanucbien (point) net, avec vos noms et prenom et en objet "I love Border Community". Les gagnants seront prévenus mardi par email.

JAMES HOLDEN idiot (MP3)

Frontier psychiatrists

2008-06-24T23:08:00.008+02:00

C'est fête: Nathan Fake et James Holden à Paris! La We Love Border Community (encore une fois merci WLA) réunira deux de mes chouchous, de ceux qui savent prendre soin de leur musique, jouer des bleeps en apesanteur et trouver des textures granuleuses à vouloir s'y vautrer pendant des heures. Surtout ces deux-là sont responsables d'un titre long et formidable qui a tourné en boucle entre mes oreilles, un petit ovni lancé par Nathan et rattrapé par son frère James, une merveille d'électronica à observer à l'oscilloscope. Bien qu'ils partagent un goût commun pour les nappes psychées et le dancefloor minimal, les deux têtes de proue du label Border Community ont un itininéraire très différent: le premier a donné à son album Drowning in a Sea of Love Prom un aspect shoegazing en apesanteur, souvent proche de My Bloody Valentine et M83, le second a semble-t-il écouté beaucoup de krautrock (Tangerine Dream, Neu! et Faust) avant de se mettre à l'électro jouée au scalpel.
Alors oui, il y a de grandes chances de se retrouver le samedi 5 juillet à la déjà surnommée WLBC pour une nuit à la Chesnaie du roie, vibrant au son unique des petits génies de Border Community. Il y a aura aussi Ricardo Tobbar et Petter.

NAHTAN FAKE the sky was pink (james holden remix) (MP3)

Concerts en mode mineur

2008-06-18T22:24:00.007+02:00

A Londres, où l'alcool est interdit aux moins de 18 ans, beaucoup d'ados sont privés de concerts. D'où l'émergence des soirées Underage, organisées par et pour les ados. C'est un beau reportage de JDB à découvrir dans le premier numéro de Volume, le nouveau mensuel des Inrocks. A force de lois rigides dans une Angleterre où pourtant les gamins se défoncent à 14 ans mais ne peuvent pas boire avant 18, des brittons coincés entre un boom ado et une explosion de testostérone ont inventé le concept Underage, et même un festival à Londres - à ne pas confondre avec Underage à Lorient. Inauguré l'année passé à Londres, le festival pose d'emblée ses règles: aucun alcool en vue, et aucun adulte dans le public. Pour toute une génération de 14-18 ans c'est la seule et unique façon d'aller voir ses groupes préférés à l'instar de Foals, New Young Poney Club ou Cajun Dance Party.
Fringué tout en argent de poche chez H&M, Primark, Topman ou American apparel, ce public est devant la scène merveilleux: il connaît par coeur les chansons qui trainent sur les myspace et danse à s'en faire péter les poumons. Une aubaine pour les promoteurs, les labels et les médias: ces concerts 14+ sont la garantie d'un public certifié non-blasé, excité dès la première note. Comble de l'ironie, c'est Tiny Master of Today qui tenait l'année passée la tête d'affiche, agés alors seulement de 11 et 13 ans.

Interview : Papas Fritas

2008-06-15T23:48:00.003+02:00

La hype et le buzz, les Papas Fritas leurs marchent dessus. Le nom du groupe, contraction phonétique de leur devise balancée comme un étendard (« Pop has freed us »), a déjà tout dit. La musique des Papas Fritas est directe et sucrée. Pas de temps à perdre : il faut que les morceaux sonnent, que le plaisir et l’émotion soient immédiats. Qu’ils soient pop jusqu’à en mourir. Au départ, au début des années 90, tout n’est pourtant pas en place : Tony a une coupe de cheveux improbable, Shivika ne sait pas jouer d’un instrument, et ces deux là ne sont même pas californiens. Mais voila : ils aiment la pop. Et quand on a des mélodies plein la tête, ce n’est pas le genre de choses auxquelles on s’arrête. Alors Shivika apprend la batterie et Keith, étudiant et bassiste à ses heures perdues, rejoint les deux compères. Ensemble, ces trois là composent des chansons bouleversantes de candeur, de fraîcheur et d’humilité. Il y a quelque chose de foncièrement universel et fédérateur dans leur musique, capable de mettre tout le monde d’accord, observateurs exigeants et amateurs de mélodies faciles. Par sa joie de vivre, ce groupe m’émeut comme peu d’autre.
En voyant le groupe se séparer au début du siècle, le monde s’est privé d’un plaisir de plus. Tant pis pour lui. Moi, je retourne écouter Shivika Asthana. Son jeu de batterie si caractéristique, sec, sans chichis, reconnaissable entre mille. Et, plus que tout, plaisir plein de miel, de couleurs et de spontanéité : sa voix. Une voix qui capte l’attention au premier instant et rend amoureux au second.Avec sincérité, Shivika nous parle de sa relation à la musique, au chant, du fonctionnement du groupe, de sa vie actuelle. Pour ceux qui aiment la pop, pour ceux qui aiment les Papas Fritas, pour ceux qui apprendront à les aimer, cette interview vaut mille cadeaux.

Quelles étaient vos principales influences ? Sur I’ll be gone ou Questions par exemple, les chœurs sonnent très Beach Boys…
Notre musique a toujours été influencée par des groupes aux fortes personnalités vocales et mélodiques. Les Beach Boys, les Beatles ou Fleetwood Mac étaient bien sûr de grosses influences pour nous, mais d’autres comme Sly and the Family Stone, the Replacements, the Modern Lovers, ou Prince sont aussi présents dans nos albums, d’une certaine manière. Plus le groupe grandissait, plus on avait d’influences différentes, et on adorait mélanger des éléments de plusieurs genres différents pour créer au final quelque chose qui nous soit propre. En tant que batteuse, j’adore la manière dont sonne la batterie sur les albums d’Al Green, et aussi le jeu de Ringo bien sûr, mais qui ne l’aime pas. D’un point de vue vocal, j’adore les voix d’Astrud et Bebel Gilberto, Suzanne Vega, et Karen Carpenter.

L’histoire dit que tu n’avais jamais joué de batterie avant le groupe, est-ce vrai ?
C’est vrai ! Je n’avais jamais touché une batterie jusque là… Mais depuis que j’étais petite, je faisais beaucoup de danse, c’est sûrement pour ça que le rythme est venu naturellement.

Tony est toujours apparu comme le leader. En fait, comment fonctionnait le groupe ? Est-ce que vous composiez tous les trois ensemble ?
Même si Tony a toujours été le plus musical de nous trois, l’écriture et l’enregistrement se faisaient toujours ensemble. Chacun contribuait d’une manière ou d’une autre au « produit final », ne serais-ce que par une harmonie vocale, une ligne de piano ou une simple percussion supplémentaire. Sur le dernier album, Buldings and Grounds, chacun avait tout de même plus de contrôle sur les chansons qu’il chantait. Pour la plupart des chansons que j’interprète, Tony écrivait en tenant compte du fait que ce serait moi qui chanterait, puis abandonnait le morceau en cours pour que je puisse y ajouter ma touche. Autre exemple, Keith a écrit et chanté "Vertical lives", mais Tony et moi avons contribué aux harmonies vocales. En fait, notre musique était toujours une combinaison de nos trois styles et personnalités. Si chacun n’y avait pas mis du sien, ça n’aurait pas sonné pareil. Je crois que c’est ça qui faisait de nos morceaux ce qu’ils sont.

Quelle relation aviez-vous avec la vidéo ? Vous n’avez fait que quelques clips, mais on note une vraie évolution entre les clips d’"Afterall", "Hey hey you say" et "Way you walk"…
Pour nous, les clips, c’était beaucoup de plaisir. L’évolution dont tu parles était avant tout due aux personnes qui faisaient les clips. Afterall et Way you walk ont été fait par des amis à nous qui ont eu le temps de progresser en tant qu’artistes entre les deux chansons. Le clip de Way you walk, c’était un vrai travail d’amour. Ils ont travaillé tellement dur, et ça se ressent dans le clip…C’est brillant ! "Hey hey you say" a été réalisé par Mike Mills, qui est en fait un réalisateur indépendant très reconnu, du coup on était honoré qu’il veuille travailler avec nous. On a pris ça comme une opportunité d’en apprendre plus sur cet aspect là. Les scénarii et univers visuels venaient à chaque fois des réalisateurs.

Les critiques et le public français vous ont toujours accueilli de manière très positive. Est-ce que vous aviez un lien particulier avec la France ?
En fait, oui ! J’ai l’impression que la France était extrêmement réceptive à notre musique. On a tourné pendant trois semaines en France, ce qu’on n’a fait dans aucun autre pays européen. On avait aussi un bon accueil en Espagne, mais sur un créneau plus spécifiquement indie-rock. En France, il semble que nous étions écouté par des gens plus différents, ce qui était super.

Pourquoi le groupe s’est-il arrêté ?
On s’est arrêté en 2000 parce qu’on avait le sentiment qu’on avait accompli tout ce qu’on espérait à nos débuts en 1994, et même plus. Le groupe a grandi de manière très organique, et on ne savait jamais quelle serait l’étape suivante. Au point où on était arrivé, on a juste eu l’impression que c’était le moment de passer à autre chose. Keith et moi avons tous les deux été acceptés dans une école supérieure, c’est ce qu’on a fait quand le groupe a stoppé. Je crois qu’on s’est arrêté au point où l’on pouvait regarder en arrière en se disant qu’il n’y avait aucun regret à avoir. La musique, ce n’était pas juste du fun et du jeu, et je crois aussi que le style de vie et les voyages permanents nous avaient un peu usé. Honnêtement, en sortant de la fac, je n’aurais jamais imaginé jouer de la batterie dans un groupe de pop durant sept ans, mais c’est une opportunité qui ne se présente qu’une fois dans une vie et on en a profité. Ca a duré plus longtemps qu’on ne l’aurait jamais cru.

La pop que vous jouiez était très joyeuse et universelle, susceptible de plaire au plus grand nombre. Au début, vous avez même tourné avec des groupes comme Eels, Blur, ou les Flaming Lips. Comment expliques-tu que, au final, le succès des Papas Fritas soit resté limité à des amateurs de pop avertis, et que vous n’ayez pas trouvé une audience plus large ?
Je crois qu’à cette époque là, c’était très dur de passer à l’étape supérieure sans avoir derrière un gros label, une meilleure communication et un réseau de distribution important. On avait un super manager, mais dès le départ, le but du groupe était de faire de la musique et de s’amuser, pas de devenir des rock stars. La plupart des tournées que nous ayons faites avec des gros groupes avaient lieu parce que ces groupes avaient entendu notre musique et nous avaient demandé de les rejoindre sur leurs tournées. Ca me faisait d’ailleurs toujours un choc quand ça arrivait, mais ça me faisait aussi réaliser que notre musique était appréciée par des gens qui s’y connaissaient bien. Je crois que si nous avions fait de la musique en ce moment, ça aurait été une autre histoire. Je crois vraiment que notre musique se tenait, et qui sait ce qui se serait passé si nous avions géré nous même notre pub et notre distribution. Je crois aussi qu’on était très jeunes et que pour durer et faire une vraie carrière dans la musique, il faut voir un peu plus loin que le moment présent, ce qui n’était pas vraiment notre truc. Je m’en fichais que notre public soit avant tout constitué d’amateurs de rock indépendant. Je pense aussi que ce qu’on faisait plaisait à une audience plus large et qu’aujourd’hui, avec les nouvelles manières de découvrir la musique, il aurait été plus facile pour les gens d’entendre parler de nous.

J’ai lu qu’aujourd’hui, Tony fait toujours de la musique et que Keith est architecte. Et toi, que fais-tu ? Est-ce que tu joues toujours ?
Après que le groupe se soit séparé, je suis donc allé dans une école supérieure et j’ai obtenu un master en Santé Publique. Puis j’ai travaillé dans la recherche médicale un temps, mais j’ai décidé que je préférais la flexibilité et les horaires du monde du web, qui était déjà ce que je faisais à l’époque du groupe, et je suis donc devenu développeur web freelance. Il n’y a jamais eu un truc que j’ai toujours rêvé de faire. Ca a toujours été un peu de ci, un peu de ça, et faire quelque chose pour pouvoir vivre. Alors j’ai commencé à dessiner et vendre de la joaillerie sur mon site pendant à peu près cinq ans, ce qui ne rapporte pas grand-chose, mais j’adore ça. J’ai aussi commencé à faire des vêtements pour bébés après la naissance de ma fille Anaya, il y a deux ans. Mon mari, ma fille et moi avons déménagé de Boston à Charleston l’année dernière, et je profite d’une vie plus tranquille et posée. Je vais continuer à faire des vêtements et peut-être qu’un jour je pourrai faire ça à plein temps. Je ne joue plus de musique en ce moment, mais quand mes enfants seront plus grands, pourquoi pas ? Je ne suis jamais opposée à l’idée d’avoir des projets ici et là, alors on verra.

Quel genre de musique écoutes-tu ? Tu pourrais citer quelques-uns des tes groupes ou artistes préférés ?
Je continue à écouter ce que j’ai toujours écouté, mais j’ai découvert un site que j’aime bien appeler « Hype Machine », sur lequel je découvre de nouveaux trucs. Côté nouveautés, j’ai pas mal écouté Kate Nash, Feist, The Handsome Family, The Veils, et The National, mais j’ai aussi mes standards que j’adore, comme les Shins, The Postal Service/Death Cab for Cutie, Badly Drawn Boy, Belle & Sebastian ou Bebel Gilberto pour en citer quelques uns. Je suis curieuse à propos du nouveau REM que je n’ai pas encore écouté, vu que j’étais une grande fan à l’époque. J’écoute aussi de la musique rigolote chantée par des enfants, depuis que j’essaye de faire d’Amaya une petite rockeuse!

Réalisé en juin 2008 par Duanra. Merci à Shivika pour sa gentillesse et sa disponibilité.
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